Blog di Montale2000

Il tema della sofferenza e della ricerca della verità è uno dei cardini della poesia di Ungaretti.

Il poeta, nato ad Alessandria d'Egitto nel 1888, si è spesso scontrato con le difficoltà e perfino le brutalità della vita: egli fu dapprima un convinto interventista ai tempi della prima guerra mondiale, salvo poi scoprire al fronte l'inutilità e le atrocità del conflitto. Il tema del dolore è quindi costantemente presente nella prima raccolta poetica di carattere autobiografico ("Allegria di naufragi", 1919) ed è intimamente legato alla solidarietà che accomuna i soldati al fronte, paragonati a fragili foglie che possono cadere ad un minimo soffio di vento (" Si sta come d'autunno sugli alberi le foglie").

La parola poetica, in questa prima raccolta, è decisamente essenziale e l'intero testo è spesso composto da poche frasi o addirittura da un verso; in compenso, però, Ungaretti sceglie le parole che descrivono meglio la propria condizione esistenziale, molto spesso forzando i normali legami logici tra le immagini, come accade nel frammento "M'illumino d'immenso".

La rottura dei legami sintattici e logici tra le cose prosegue poi nella seconda raccolta, intitolata "Sentimento del tempo" (1933): questa silloge è in assoluto la più vicina alla lirica ermetica, come si può notare dall'impiego insistente dell'analogia, dall'abolizione delle congiunzioni (in particolare del "come") e dall'uso costante della terza persona singolare, che conferisce un senso di forte indeterminatezza alla frase.

Il tema della sofferenza riemerge poi in modo prepotente con la raccolta "Il dolore" (1947), divisa in due parti distinte ma complementari: nella prima Ungaretti descrive l'immensa sofferenza derivata dalla morte del figlio, scomparso a soli nove anni per una peritonite; la seconda parte, invece, descrive le sofferenze causate dalla seconda guerra mondiale su una popolazione ormai completamente provata e incapace di sperare in un riscatto.

La lirica che introduce la raccolta descrive in modo toccante e magistrale lo stato d'animo del poeta di fronte al dramma della morte del figlio.

Ecco il testo:

"Nessuno, mamma, ha mai sofferto tanto..."
E il volto già scomparso
Ma gli occhi ancora vivi
Dal guanciale volgeva alla finestra,
E riempivano passeri la stanza
Verso le briciole dal babbo sparse
Per distrarre il suo bimbo...

2.
Ora potrò baciare solo in sogno
Le fiduciose mani...
E discorro, lavoro,
Sono appena mutato, temo, fumo...
Come si può ch'io regga a tanta notte?...

3.
Mi porteranno gli anni
Chissà quali altri orrori,
Ma ti sentivo accanto,
M'avresti consolato...

4.
Mai, non saprete mai come m'illumina
L'ombra che mi si pone a lato, timida,
Quando non spero più...

5.
Ora dov’è, dov’è l’ingenua voce
Che in corsa risuonando per le stanze
Sollevava dai crucci un uomo stanco?
La terra l’ha disfatta, la protegge
Un passato di favola…

6.
Ogni altra voce è un’eco che si spegne
Ora che una mi chiama
Dalle vette immortali….

7.
In cielo cerco il tuo felice volto,
Ed i miei occhi in me null'altro vedano
Quando anch'essi vorrà chiudere Iddio...

8.
E t'amo, t'amo, ed è continuo schianto!...

10.
Sono tornato ai colli, ai pini amati
E del ritmo dell'aria il patrio accento
Che non riudrò con te,
Mi spezza ad ogni soffio..

13.
Non più furori reca a me l'estate,
Né primavera i suoi presentimenti;
Puoi declinare, autunno,
Con le tue stolte glorie:
Per uno spoglio desiderio, inverno
Distende la stagione più clemente!...

Nella prima strofa Ungaretti riporta le parole del figlio, che ha sul volto i segni della morte imminente ("Il volto già scomparso"), ma ha uno sguardo ancora pieno di vita.

Nella seconda strofa, invece, il poeta è costretto a confrontarsi con la tragedia della morte e con la necessità (ancora più drammatica) di continuare la vita di sempre per non soccombere; nonostante Ungaretti continui a svolgere le stesse attività di sempre, egli ha dentro di sè un vuoto che si può esprimere con l'immagine del buio ( "Come si può ch'io regga a tanta notte?").

Il testo prosegue rievocando immagini del passato, il ricordo infatti è l'unica arma per proteggere dall'oblio i momenti gioiosi legati alla presenza del figlio: l'amore che il poeta prova per lui non fa però che accrescere la disperazione, il cuore si schianta nel dolore ("E t'amo, e t'amo, ed è continuo schianto").

Il confronto tra la situazione del figlio, ormai defunto, e la vita che continua ricorda la sofferenza di Carducci in "Pianto antico", al punto che Ungaretti considera la stagione più clemente l'inverno, poichè una natura spoglia sembra più rispettosa del suo dolore.

Il canto XV dell'Inferno è uno dei più importanti e discussi della Divina Commedia e si focalizza su due tematiche fondamentali:l'incontro tra Dante e il letterato Brunetto Latini (definito da Dante come "il suo maestro") e la polemica contro la corruzione del comune di Firenze.

Dante e Virgilio camminano lungo gli argini del fiume infernale Flegetonte e sono ormai giunti,lasciandosi alle spalle la selva dei suicidi,al cosiddetto sabbione infernale, un grande deserto infuocato in cui sono puniti i bestemmiatori, i sodomiti e gli usurai.

La pena a cui sono sottoposti i sodomiti consiste nel camminare sulla sabbia infuocata e nello stesso tempo nell'essere investiti da una continua pioggia di fuoco: i peccatori sono divisi in schiere ben distinte ed i gruppi non possono mescolarsi tra di loro. I dannati sono costretti a ripararsi in continuazione per evitare le scaglie di fuoco che li colpiscono incessantemente e se si fermano per un solo istante sono poi costretti per cento anni a rimanere supini sul sabbione senza poter ripararsi dalla pioggia di fuoco.

E' opportuno notare come Dante ricorra ad una vera e propria onomatopea per riprodurre nei versi il concetto di "fiamma che guizza e brucia", che indica la pena dei dannati sottoposti al fuoco infernale.

Ecco le terzine:

Quale i Fiamminghi tra Guizzante e Bruggia

tenendo il fiotto che 'nver' lor s'avventa

fanno lo schermo perchè il mar si fuggia;

e quale i Padovan lungo la Brenta,

per difender lor ville e lor castelli

anzi che Carentana il caldo senta;

a tale immagin eran fatti quelli,

tutti che nè sì alti nè sì grossi

qual che si fosse, lo maestro felli.

Dante descrive gli argini del fiume Flegetonte, assai simili alle famosissime dighe che gli Olandesi e i Belgi (Fiamminghi) avevano costruito per strappare faticosamente al mare la terra; ma in realtà il poeta nei primi versi non fa altro che riprodurre esattamente il concetto di "fuoco che guizza e brucia", per introdurre il lettore alla situazione descritta.

Successivamente Dante presenta il tema centrale del canto:l'incontro con Brunetto Latini, che era stato il maestro di retorica di Dante.

Brunetto Latini fu un importante uomo politico, letterato e notaio molto in vista nella Firenze del Duecento. Egli era membro di una famiglia nobile appartenente alla fazione dei guelfi e,dopo la vittoria dei ghibellini nella battaglia di Montaperti (1260), Brunetto Latini abbandonò a Firenze e si rifugiò in esilio in Francia, dove continuò la sua attività di notaio.

Dopo il ritorno dei guelfi a Firenze nel 1267 egli ritornò in patria ed iniziò una carriera politica che lo portò nel 1287 a sedere nel Consiglio dei Priori (come poi fu per Dante) ed ebbe un ruolo molto importante anche nella temporanea pacificazione nel 1280 tra guelfi e ghibellini.

Fu maestro di retorica ("l'arte della parola") di Dante e, sicuramente, i due letterati condividevano molti ideali politici essendo entrambi appartenenti alla fazione dei guelfi; Dante paragona l'influenza del Tesoretto di Latini sulla sua opera a quella di poeti come Guittone e Bonagiunta.

A questo punto sorge spontanea una domanda: perchè Dante decide di mettere Brunetto Latini tra i dannati nonostante la stima che almeno in apparenza egli prova per lui?

E' opportuno notare un fatto significativo: Dante nel Purgatorio non condanna in maniera eccessivamente pesante l'omosessualità, infatti nel canto XXV i sodomiti sono accomunati agli eterosessuali nello stesso cerchio dei lussuriosi, quasi a voler affermare che il vero peccato consista più nell'incontinenza (lussuria) che nell'orientamento sessuale in sè;inoltre è bene ricordare come nella Firenze del Duecento la sodomia fosse piuttosto tollerata nei rapporti tra docente/discente (condizione simile alla Grecia antica), le leggi che a Firenze punirono l'omosessualità con la morte erano infatti posteriori all'epoca di Dante.

L'omosessualità di Brunetto non era inoltre un fatto di dominio pubblico nella Firenze duecentesca e solo recentemente i dantisti hanno scoperto l'esistenza di un carteggio amoroso tra il letterato e il poeta Bondie Dietaiuti.

Il motivo vero e principale della condanna dantesca dev'essere quindi un altro: se si analizza bene il colloquio tra Dante e Brunetto si nota come la personalità del letterato sia particolarmente egocentrica, caratterizzata da una notevole superbia intellettuale; Brunetto Latini manifesta quindi un senso di superiorità che lo porta a sentirsi ingiustamente migliore degli altri e ad ergersi a giudice perfino dei dannati come lui!.

Infatti il maestro di Dante adopera parole di profondo disprezzo verso i compagni di sventura con cui di fatto condivide lo stesso destino: i dannati vengono definiti "lerci d'un peccato medesmo", "turba grama", "tigna", quasi come se Brunetto, accecato dalla superbia, non riconoscesse la presenza dello stesso male dentro di sè.

Di conseguenza Dante, pur provando un rispetto quasi reverenziale verso il proprio maestro,  non può inserirlo tra le anime salve, poichè la condizione essenziale per la salvezza è proprio l'umiltà di riconoscersi peccatori e bisognosi della grazia divina.

Brunetto Latini è il prototipo dell'uomo di cultura che ritiene di dover raggiungere la salvezza e l'immortalità con le proprie forze, mediante le effimere opere umane e non attraverso la fede; Dante vuole affermare proprio questo concetto quando dice che Brunetto sulla terra "gl'insegnava come l'uom s'etterna", diventa cioè immortale attraverso la gloria terrena.

Durante il colloquio tra Dante e Brunetto viene presentata una tremenda invettiva contro la città di Firenze, i cui abitanti vengono definiti con l'epiteto di "ingrato popolo maligno": Brunetto diventa qui l'alter-ego di Dante ed esprime attraverso il suo maestro il risentimento verso i fiorentini che lo hanno esiliato ingiustamente.

Ecco i versi dell'invettiva (vv 61-78) 

Ma quello ingrato popolo maligno

che discese di Fiesole ab antico

e tiene ancora del monte e del macigno

ti si farà, per tuo ben far, nemico;

ed è ragion, che tra li lazzi sorbi

si disconvien fruttare al dolce fico.

Vecchia fama nel mondo li chiama orbi;

gent'è avara, invidiosa e superba:

dai lor costumi fa che tu ti forbi.

La tua fortuna tanto onor ti serba

che l'una parte e l'altra avranno fame

di te; ma lungi fia dal becco l'erba.

Faccian le bestie fiesolane strame

di lor medesme, e non tocchin la pianta.

s'alcuna sorge ancora in lor letame,

in cui riviva la sementa santa

di que' Roman che vi rimasero quando

fu fatto il nido di malizia tanta"

I fiorentini sono definiti rozzi e malvagi, discendenti da quell'antico popolo di pastori (Fiesolani) che secondo Brunetto Latini avrebbe fondato Firenze:il popolo di Firenze è diventato nemico di Dante proprio a causa dell'imparzialità del poeta nel goverare la città, ma quel senso di giustizia ha fatto sì che Dante si alienasse le simpatie sia dei guelfi neri (già di per sè nemici) sia dei guelfi bianchi, partito a cui Dante apparteneva.

Non dimentichiamo che Dante aveva esiliato, nel periodo in cui era priore di Firenze, i capi più agguerriti delle opposte fazioni, allo scopo di pacificare il comune:ciò però gli attirò l'odio di molti fiorentini, al punto che il poeta affermò che "Tutti li mali e li inconvenienti miei dagli infausti comizi del mio priorato ebbero cagione e principio".

E'  necessario che Dante stia lontano da Firenze per non corrompersi ("dai lor costumi fa che tu ti forbi") e piuttosto deve lasciare che i fiorentini, divisi da tanto odio, si uccidano da soli e da loro stessi ricevano il giusto castigo.

Brunetto Latini preannuncia quindi a Dante l'esilio quando afferma che la fortuna del poeta sarà tale da tenerlo lontano dagli intrighi politici di Firenze (versi 70-72), si tratta quindi di una profezia post-eventum, come se ne trovano parecchie in tutto l'Inferno.

E' opportuno a questo proposito supporre come il maestro di Dante conoscesse bene le divisioni interne di Firenze e il prevalere dell'egoismo politico a discapito del bene comune; infatti egli più volte intervenne come Dante per cercare di pacificare le opposte fazioni.

Il canto continua poi con l'elenco degli altri dannati che si trovano nello stesso girone, anche se è giusto rilevare come tra i sodomiti siano inserite persone la cui omosessualità non è storicamente accertata e spesso nemmeno la vera identità; non è chiaro chi sia il grammatico Prisciano di Cesarea e il giurista Francesco d'Accorso fu forse ateo, ma non sodomita.

Dante conclude il canto presentando un Brunetto Latini che corre velocemente nel girone e lo paragona ad un atleta che vince una gara, ad indicare come, nonostante sia tra i dannati, egli sia comunque culturalmente e moralmente superiore alle altre anime con cui condivide lo stesso destino.

La poesia "La primavera hitleriana", inserita nella raccolta "La bufera ed altro", è sicuramente una delle liriche più affascinanti di Montale e soprattutto più ricche di riferimenti storici, culturali e biografici.

L'occasione da cui nasce la poesia è l'incontro a Firenze di Mussolini con Hitler durante la primavera del 1938, precisamente nella metà di Maggio del 1938: l'alleanza tra i due dittatori viene così irrimediabilmente rafforzata e per Montale questo appare il chiaro presagio di una catastrofe globale, quale è stata appunto la 2^ guerra mondiale.

Dopo l'incontro tra i due dittatori, infatti, il fascismo si caratterizzò in senso sempre più antisemita e stipulò le leggi razziali nel Settembre del 1938:la politica razzista di Mussolini fu all'origine dell'emigrazione di Irma Brandeis (donna amata da Montale, studiosa di letteratura) verso gli Stati Uniti, poichè la studiosa era di origine ebraica.

Molte liriche della raccolta "La bufera ed altro" sono dedicate ad Irma Brandeis, che è concepita da Montale come un tramite tra cielo e terra, una specie di "donna-angelo" in grado di rimediare con la sua stessa presenza al male del mondo e di salvarlo dalla barbarie del nazifascismo.

La lirica "La primavera hitleriana", come vedremo, è piena di un simbolismo in cui ogni oggetto diventa la metafora di qualcos'altro in un continuo gioco di rimandi ed allusioni.

Ecco il testo e l'analisi della lirica.

                                                                           La primavera hitleriana

Folta la nuvola bianca delle falene impazzite

turbina intorno agli scialbi fanali e sulle spallette,

stende a terra una coltre su cui scricchia

come su zucchero il piede (l'estate imminente sprigiona

ora il gelo notturno che capiva

nelle cave segrete della stagione morta,

negli orti che da Maiano scavalcano a questi renai.

Da poco sul corso è passato a volo un messo infernale

tra un alalà di scherani, un golfo mistico acceso

e pavesato di croci a uncino l'ha preso e inghiottito,

si sono chiuse le vetrine, povere

e inoffensive benchè armate anch'esse

di cannoni e giocattoli di guerra,

ha sprangato il beccaio che infiorava

di bacche il muso dei capretti uccisi,

la sagra die miti carnefici che ancora ignorano il sangue

s'è tramutata in un sozzo trescone d'ali schiantate,

di larve sulle golene, e l'acqua seguita a rodere

le sponde e più nessuno è incolpevole.

La poesia è stata scritta nel 1939 ed è poi confluita nella raccolta "La bufera ed altro", pubblicata nel 1947. Il testo è costiuito da tre strofe di versi di diseguale misura, dall'endecasillabo a versi più lunghi, in genere di quattordici e più sillabe:le rime sono pressochè assenti,vengono sostituite da una fitta rete di assonanze e consonanze.

Vediamo ora i contenuti e i simboli presenti nelle singole strofe.

I strofa: La lirica si apre con un'immagine nello stesso tempo originale ed inquietante: una nuvola di farfalle notturne, che turbina attorno ai lampioni, cade a terra all'improvviso e forma a terra uno strato che scricchiola se viene calpestato, come se fosse zucchero.

Questa strana nevicata di farfalle è il segno di qualcosa di lugubre che si sta avvicinando ed infatti presagisce la visita di Hitler a Firenze nel maggio del 1938: la presenza malefica del dittatore nazista è simboleggiata da un'improvvisa ondata di gelo che fa regredire il clima verso l'inverno e causa la morte improvvisa delle farfalle ("l'estate imminente sprigiona ora il gelo notturno").

II strofa: La seconda strofa introduce l'immagine di Hitler visto da Montale come un messaggero dell'Inferno, che viene accolto dai suoi fedeli alleati, cioè dai fascisti che gli rendono omaggio con il consueto grido "eja, eja, alalà".

La parata in onore del Fuhrer messa in atto dai fascisti viene trasformata da Montale in un'autentica "messa nera" in onore del nuovo Lucifero:il golfo mistico era infatti, nel teatro di Wagner, lo spazio riservato all'orchestra, che per l'occasione viene illuminato e decorato di bandiere con le svastiche. Il riferimento a Wagner non è del resto casuale, visto che l'opera di questo grande musicista era molto apprezzata dai nazisti, che la strumentalizzarono in chiave nazionalista.

Per Montale tutta la popolazione è complice della catastrofe bellica che si sta inesorabilmente preparando: sono infatti chiusi i negozi (in onore di Hitler) con le vetrine dove sono esposti giocattoli da guerra, triste presagio del conflitto mondiale.

Il macellaio che fa bella mostra dei capretti col muso infiorato di bacche può anche essere visto a posteriori come il presagio dell'Olocausto ebraico causato dal nazismo e comunque evidenzia che l'intera popolazione mondiale si presta ad essere sacrificata in nome della follia di pochi.

In questo situazione nessuno è veramente immune da colpa, anche i miti carnefici (ossimoro calzante) che sono ignari della catastrofe che loro stessi contribuiscono a preparare, dal momento che sono ossequiosi verso il nazifascismo.

Il trescone delle ali schiantate fa riferimento agli insetti (falene) che cadono sulle rive dell'Arno (vedere prima strofa), falene che con la loro danza di morte sembrano presagire un evento sinistro.

III strofa: La strofa si apre con un interrogativo drammatico: "Tutto per nulla, dunque?": Montale qui fa riferimento al suo amore per Irma Brandeis, una donna che nella sua mente aveva addirittura il potere di salvare il mondo dal male, proprio come la "donna-angelo" degli stilnovisti.

L'invadenza del male nel mondo sembra mettere in pericolo il senso di un amore che è l'unica via di salvezza nell'orrore presente:i saluti di addio del poeta al momento della partenza di Irma per gli Stati Uniti assumono il significato di un patto indelebile di fedeltà e la partenza della donna è accompagnata da segni quasi sovrannaturali (una stella cadente che riga il cielo);  Montale rappresenta Irma come accompagnata dall'angelo Raffaele (accompagnatore di Tobia), uno dei sette angeli che portano i meriti umani davanti a Dio, anche se per il momento l'opera salvifica iniziata dalla donna sembra essere in grave pericolo, infatti tutto appare "arso e succhiato da un polline che stride come il fuoco".

La parte finale della strofa è segnata da messaggi di speranza, quasi come se l'intenso amore del poeta potesse in qualche modo cambiare in meglio le sorti della storia:la donna amata da Montale viene addirittura chiamata con il nome di Clizia, la figlia dell'Oceano amata e poi abbandonata dal Sole, che ella continua però ad amare tanto intensamente da trasformarsi in Girasole ("tu che il non mutato amor mutata serbi").

La fonte di tale riferimento è sicuramente Dante, poichè nel 1939 Gianfranco Contini curò un'edizione delle Rime dantesche:in un sonetto a Giovanni Quirini, citato da Montale in introduzione alla "Primavera hitleriana", Dante si paragona appunto a Clizia nel dichiarare il suo amore verso una "donna sdegnosa".

In questo caso, però, Montale vuole farci capire che egli considera Irma Brandeis come un tramite tra il mondo sovrannaturale e la terra, perchè il Sole è simbolo di Dio: il poeta spera quindi che Clizia, proprio come Cristo, possa sacrificarsi per il bene dell'umanità e di conseguenza il mondo possa sperimentare una nuova Pasqua ("Un'alba che domani per tutti si riaffacci") dopo la sconfitta dei mostri del nazifascismo.

La Primavera hitleriana rappresenta a mio avviso una delle più alte vette della poesia di Montale ed è espressione di una religiosità di tipo laico ma molto viva ed originale, che pervade del resto buona parte della produzione del poeta, soprattutto nelle raccolte "Le occasioni" e "La bufera ed altro".

Andrea Zanzotto è un poeta particolarmente originale nel panorama culturale del Novecento e, se proprio si vuole catalogarlo, egli appartiene a quella che molti critici letterari (tra cui Gianfranco Contini) definiscono come "linea post-ermetica", caratterizzata dalla sperimentazione continua di diversi stili poetici.

Egli nacque a Pieve di Soligo (Treviso), si laureò in Lettere a Padova ed ha insegnato a lungo nelle scuole medie:il poeta, a parte alcuni soggiorni all'estero (in Svizzera, a Parigi e negli Stati Uniti) non ha mai abbandonato la campagna veneta, da lui considerata una formidabile fonte di ispirazione.

Le sue principali raccolte poetiche furono nell'ordine: "Dietro il paesaggio" (1951),"Elegia ed altri versi" (1954) "Vocativo" (1957),"IX Egloghe" (1962) "La beltà" (1968).

La principale caratteristica della poetica di Zanzotto è il plurilinguismo, cioè la sperimentazione, all'interno della sua opera, di diversi linguaggi e di dfferenti stili poetici:questo accade perchè l'autore ritiene che l'uomo contemporaneo sia privo di certezze e la poesia (come l'arte in generale) deve quindi rappresentare il caos della civiltà moderna; di conseguenza nelle liriche di Zanzotto entrano in contrasto termini molto colti (addirittura latinismi) con il linguaggio tecnologico e scientifico tipico della cultura contemporanea.

La prima raccolta ("Dietro il paesaggio") include i testi scritti negli anni 1940-48 e manifesta una spiccata tendenza verso il Simbolismo:il poeta vero è colui che sa vedere dietro la realtà e riconoscere l'aspetto simbolico di ogni cosa ed in questo Zanzotto è sicuramente influenzato dall'Ermetismo fiorentino.

Successivamente, però, il poeta sviluppa una sua personalissima vena artistica, che si basa sulla contaminazione tra vari linguaggi:la raccolta "Vocativo" presenta uno stile che molto spesso tende a non considerare le strutture grammaticali per esprimere l'angoscia dell'uomo contemporaneo di fronte ad un mondo che cambia in continuazione e non dà certezze.

Le liriche di Vocativo sono organizzate come se fossero rivolte a qualcuno o a qualcosa, ma l'interlocutore del poeta resta volutamente indefinito e quindi l'intero testo appare come un monologo.

Tale linea di tendenza si accentua con la raccolta "La beltà", che racchiude i testi composti negli anni Sessanta:Zanzotto esercita nei confronti della civiltà contemporanea la stessa critica operata da Montale, poichè ritiene che il dominio dei mass media porti ad una caduta dei valori etici ed ideologici e quindi anche il linguaggio poetico, che dovrebbe comunicare un messaggio moralmente forte, finisce per ridursi ad un "balbettare" (si legga l'intervista di Montale "E'ancora possibile la poesia?"), fino a giungere al vero e proprio non-senso.

Di conseguenza in un mondo che non offre alcuna verità ma solo opinioni effimere l'artista non può fare altro che adeguarsi a questo disordine e proprio per questo si esprime utilizzando linguaggi diversi e contrastanti, smantellando le strutture grammaticali e deformando le parole che ormai sono prive di un senso assoluto ed obiettivo.

Il critico Stefano Agosti ha infatti parlato per le ultime raccolte di una scissione tra significato e significante, nel senso che le parole ormai sono ridotte ad una pura successione di suoni senza alcuna pretesa di avere un significato certo ed univoco;si nota appunto un uso molto forte di prefissi e suffissi, neologismi e deformazioni.

E' importante sottolineare che Zanzotto rivaluta moltissimo l'uso del dialetto veneto nella sua opera, proprio perchè a suo avviso attraverso il dialetto i poeti possono esprimere meglio la loro creatività:il dialetto è per lui una lingua pura e genuina che, proprio perchè antica, non risente del relativismo tipico della civiltà moderna.

Ecco un esempio della contaminazione del linguaggio operata da Zanzotto.

                                                                                          Oltranza-oltraggio

Salti saltabecchi friggendo puro-pura

nel vuoto  spinto  outrè

ti fai più in là

intangibile-tutto sommato-

tutto sommato

tutto

sei più in là

ti vedo nel fondo della mia serachiusascura

ti identifico tra i non sic i sigh

ti disidentifico

solo no solo si solo

piena di punte immite frigida

ti fai più in là

e sprofondi e strafai in te sempre più in te

fotti il campo

decidi verso

nel tuo sprofondi

brilli feroce inconsutile nonnulla

l'esplodente l'eclatante e non si sente

nulla non si sente

no   sei saltata più in là

ricca saltabeccante    là

L'oltraggio

Si può benissimo notare come in questo testo le normali strutture grammaticali e logiche del linguaggio siano talmente alterate da giungere al vero e proprio non-senso.

L'intera poesia è basato su tutta una serie di ripetizioni e variazioni intorno ad un tema di fondo: la distanza (fisica e simbolica) dalla donna interlocutrice. Il concetto del "ti fai più in là" (verso 3) è presente in tutto il testo ed il poeta usa moltissimo l'allitterazione,figura retorica basata sulla ripetizione degli stessi suoni (es. esplodente/eclatante", "sprofondi/strafai").

Il senso ultimo della poesia è espresso dal titolo che, secondo una nota dell'autore, significa "cosa che va oltre il limite di sopportazione"  (con il rimando dantesco a Paradiso, XXXIII, 57).

Alda Merini può essere considerata una delle più grandi poetesse e scrittrici del Novecento e la sua produzione si caratterizza per uno stile limpido e nello stesso tempo incisivo, con cui l'autrice descrive perfettamente il suo mondo interiore.

Alda Merini nasce a Milano nel 1931 e fin dall'adolescenza manifesta uno spiccato talento poetico ed una passione molto intensa per la musica; la sua esistenza fu purtroppo tormentata da una serie di turbe psicologiche che la costrinsero a lunghi periodi di ricovero in case di cura, tuttavia la poetessa riuscì a trasformare il suo personale disagio in una straordinaria fonte di ispirazione. 

Alda Merini venne inoltre circondata dalla protezione e dalla stima di molti letterati, tra cui Maria Corti e Giorgio Manganelli:la prima raccolta poetica, dal titolo "La presenza di Orfeo", venne pubblicata nel 1953 a Milano.

La poesia di Merini è istintiva, quasi ingenua nella sua spontaneità, ha qualità visionarie ed orfiche: l'autrice infatti è molto vicino allo stile letterario tipico di Dino Campana e procede per accostamenti di immagini apparentemente senza alcun collegamento logico.

A questo proposito il critico Giorgio Manganelli ha definito lo stile della poetessa come dominato da "una fantastica irruenza", ma tutto ciò si unisce anche ad una spiccata tendenza narrativa: l'esperienza della Merini può essere accostata a quella dei letterati del primo Novecento (tra cui il poeta Dino Campana) riuniti attorno alla rivista "La voce", che crearono uno stile particolare definito "frammento lirico" (un misto di poesia e di prosa).

Nel 1988 Merini raccolse tutte le sue poesie in una grande Antologia chiamata "Testamento", in cui confluiscono molti testi presenti nella precedente raccolta dal titolo "La Terra Santa", titolo che indica la tormentata ricerca dell'autrice per raggiungere una condizione di serenità, proprio come gli ebrei che dopo il passaggio del Mar Rosso giungono finalmente nella tanto sospirata Terra Promessa.

Ecco alcuni importanti esempi di testi poetici tratti dalle raccolte di Alda Merini.

                                                                           A tutte le donne

Fragile, opulenta donna, matrice del paradiso
sei un granello di colpa
anche agli occhi di Dio
malgrado le tue sante guerre
per l'emancipazione.
Spaccarono la tua bellezza
e rimane uno scheletro d'amore
che però grida ancora vendetta
e soltanto tu riesci
ancora a piangere,
poi ti volgi e vedi ancora i tuoi figli,
poi ti volti e non sai ancora dire
e taci meravigliata
e allora diventi grande come la terra.



Questo testo, com'è evidente, è una specie di inno alla donna, vista come una creatura fragile ma nello stesso tempo forte, la cui forza è appunto rappresentata dalla capacità di amare nonostante le avversità.

In quest'altra poesia, invece, Alda Merini descrive l'esperienza della propria sofferenza interiore, che può essere equiparata al "male di vivere" di Montale.

                                                                             Ieri ho sofferto il dolore

Ieri ho sofferto il dolore,
non sapevo che avesse una faccia sanguigna,     
le labbra di metallo dure,
una mancanza netta d'orizzonti.
Il dolore è senza domani,
è un muso di cavallo che blocca
i garretti possenti,
ma ieri sono caduta in basso,
le mie labbra si sono chiuse
e lo spavento è entrato nel mio petto
con un sibilo fondo
e le fontane hanno cessato di fiorire,
la loro tenera acqua
era soltanto un mare di dolore
in cui naufragavo dormendo,
ma anche allora avevo paura
degli angeli eterni.
Ma se sono così dolci e costanti,
perchè l'immobilità mi fa terrore?

( Da "La Terra Santa")

E' evidente in questa poesia come il dolore sia descritto come una presenza fisica, simboleggiata dal "muso di cavallo che blocca i garretti possenti":questo parallelismo ricorda benissimo il "male di vivere" montaliano, che si concretizza anch'esso in immagini quali "il rivo strozzato che gorgoglia, "il cavallo stramazzato".

Fa riflettere l'espressione secondo cui il dolore è "senza domani": infatti per la Merini, come per tante persone che soffrono, il dolore è un'esperienza che sembra non avere mai fine, fa perdere la speranza e quindi impedisce all'uomo di vedere al di là del momento presente e di superare l'angoscia.

L'immobilità dell'ultimo verso è una metafora della morte, che fa terrore alla poetessa ma nello stesso tempo la attrae, perchè rappresenta un'estrema via d'uscita dalla continua sofferenza.

E' importante sottolineare che la Merini manifesta in molte sue poesie una profonda religiosità, com'è evidente nel testo seguente.

                                                                               La carne degli angeli



Un punto è l'embrione
un secolo di vita
che ascolta l'universo
la memoria del mondo
fin dalla creazione.
L'uomo che nascerà
è un'eco del Signore
e sente palpitare in sé
tutte le stelle.



Questa lirica è appunto un inno all'uomo creato ad immagine e somiglianza di Dio, un essere unico ed irripetibile che racchiude in sè "un secolo di vita", proprio perchè prima di nascere era già nella mente del Creatore e quindi è come se avesse dentro di sè tutte le "stelle".